Por Axel Velázquez
27 de julio de 2021
Ya estamos cansados de leer que “Soda Stereo es la banda más grande del rock en español…”. Blah, blah, blah. Simples afirmaciones que, aunque se sostengan solas con tan solo escuchar la obra de esta gran banda, no dejará de estar quemada si únicamente nos referimos a ella con “De música ligera” o “Persiana americana”. Enfrentando esta situación he creado un Top 10 de las que son para mi las mejores canciones de Soda Stereo; las que mejors resultados dieron a nivel musical e incluso las que mejor balancean su gran creatividad musical y artística con lo comercial.
10. LO QUE SANGRA
Un tema de Soda Stereo con el clásico sonido del rock de los 80’s pero con elementos musicales muy interesantes, sobre todo en la guitarra y en la estructura. “Lo que sangra” es unexcelente canción que resume el aire funky y soul que envuelve al disco “Doble Vida” con aires latinos que se basa en una célula rítmica persistente en algunas de las secciones de la canción (corchea con puntillo-semicorchea, silencio de corchea-corchea) durante el riff de la introducción y también predomina en el coro. Un rasgo distintivo de la canción es que es el puente y no el coro el principal gancho que hace que al escucharlo te suene inmediatamente familiar. Para la producción del disco “Doble Vida” el trío contrata al guitarrista puertorriqueño Carlos Alomar, quien había trabajado con David Bowie y quien es el guitarrista principal en esta canción, ejecutando acertados adornos a partir del segundo verso y un excelente solo de guitarra. Por otro lado, el trabajo de Gustavo Cerati en la guitarra rítmica es excelente al mantener un rasgueo constante que le da ese aire funky al tema de principio a fin logrando una gran cohesión con el bajo y la batería, dejando claro que la principal fortaleza de Soda Stereo es su sonido como power trío.
9. DISCO ETERNO
El último disco de Soda Stereo muestra claramente la madurez musical que Gustavo Cerati había alcanzado. Repasando su carrera como solista no cabe duda que “Disco eterno” sintetiza gran parte de su obra personal en la estética de su voz, el sonido alcanzado como banda y la nueva dirección artística a la que Soda Stereo hubiera llegado de haber seguido juntos. La canción se basa en un memorable riff de guitarra que cambia dependiendo de la sección. Durante los versos acompaña su voz rasgando suavemente las cuerdas mientras Zeta Bosio aporta su segunda voz. La base rítmica de bajo y batería es ideal para la energía del riff y la melodía que juega con los silencios dejando espacios sin letra, lo cual puede parecer que deja mucho silencio pero este es una característica de la obra de Soda. Al final la canción cierra con sonidos electrónicos creados por el propio Cerati como parte de sus experimentaciones que predominan en todo el disco. Lejos de ser una canción vigorosa y rockera como las que nos acostumbra Soda Stereo, “Disco eterno” se ha ganado un lugar en este top por mostrar a una banda más madura y con un gran sentido de la vanguardia artística.
8. ELLA USÓ MI CABEZA COMO UN REVÓLVER (VERSIÓN MTV UNPLUGGED)
En 1996 Soda Stereo nos sorprendió al mostrarnos su nueva dirección musical con una colección de arreglos INCREÍBLES en muchas de sus canciones clásicas. “Un misil en mi placard”, “En la ciudad de la furia” o “Entre caníbales” son tan solo algunos ejemplos, pero la intensidad lograda en la versión de “Ella usó mi cabeza como un revólver” es destacable. Con arreglos precisos de cuerdas y de guitarra con tintes de heavy metal, Gustavo Cerati se reivindica a sí mismo como un guitarrista de rock puro con fuerte influencias del blues dando la sensación que olvidó el concepto de Unplugged acústico del concierto. A lo largo de las diferentes secciones del tema la banda emplea correctamente el cambio de matiz para darle continuidad. Un ejemplo es la bajada de energía en el puente y la subida repentina para pasar al coro. La CODA del final es simplemente genial e inesperada con una distorsión en las guitarras con referencias a los cambios de matiz de Smashing Pumpkins, Pixies u Oasis además del empleo del pedal wah wah como referencia a uno de sus mayores ídolos: Jimi Hendrix. “Ella usó mi cabeza como un revólver” en la versión de estudio y unplugged son muy similares, pero es la manera de interpretarla lo que la hace merecedora de un lugar dentro de este top 10.
7. EN EL BORDE
Marcado por la influencia afroamericana, soul y funky, “En el borde” posee grandes elementos que Soda Stereo probó pocas veces en toda su carrera. El más significativo es el rap cantado y compuesto por Carlos Alomar a partir del minuto 02:51 quizá el primer rap dentro de un disco de una banda de rock en español. Otro rasgo distintivo es el sonido logrado por la batería de Charly Alberti mezclada a muy alto volumen además de contener una base muy solida con bastantes bombos y breaks muy pesados, seguramente la batería más poderosa registrada en una canción de Soda Stereo. El trabajo en los teclados de Daniel Sais durante los versos son muy parecidos a los empleados en “Prófugos” pero para esta canción son más discretos y sobrellevan la base rítmica adornando la voz y brindando un sonido más electrónico. Justo antes del solo de guitarra aparece uno de los ganchos más fuertes de la canción que reciclarán más adelante justo antes de pasar a la CODA cuando cambian el ritmo doblando el tiempo, sin duda ese es un recurso bastante efectivo que la banda supo aprovechar muy bien.
6. PRIMAVERA 0
El disco “Dynamo” de 1992 significa un punto de inflexión en la carrera de la banda y del rock en español al incursionar en el género Shoegaze. Es increible ver cómo la banda se reinventaba a sí misma en cada paso y “Primavera 0” es un claro ejemplo de cómo ser vanguardista, adaptarse a las tendencias sin perder la calidad de clásico. Los grandes constrastes sonoros de la guitarra de Cerati de la introducción al verso suponen un presagio del britpop y el muro de sonido que Oasis usará tan solo unos años más tarde. Además, no podía faltar el clásico sonido de la voz de Gustavo que cambia de registro correctamente dependiendo la sección de la canción, mientras en el verso se mantiene en un registro casi de tenor, en el coro sube apoyado con una sección rítmica a mitad de tiempo. Gran parte de la oscuridad de la canción tiene que ver con el contraste sonoro entre las guitarras y la voz además del constante patrón rítmico del bajo de Zeta Bosio. Dentro de su experimentación musical, “Primavera 0” se trata quizá del último gran éxito de Soda Stereo.
5. TÉ PARA TRES (VERSIÓN MTV UNPLUGGED)
Uno de los puntos más finos del mítico MTV Unplugged de 1996 fue su versión de “Té para tres” cuyo arreglo en compás de 12/8 y todo el trabajo de cuerdas, los arreglos de guitarra y la melosa melodía nos sumerge en un ritmo cadencioso que es imposible de ignorar. Y por si este radical cambio fuera poco, la banda nos sorprende con una referencia al tema “Cementerio Club” de Luis Alberto Spinetta de 1973. La idea fue de Gustavo Cerati, quien admiraba profundamente a Spinetta. Sin demostrar mucho virtuosismo técnico, el solo de guitarra es soberbio apostando por crear más atmósfera que líneas de relleno. El empleo del uso de las dinámicas combinadas con el pedal wah y del diley es simplemente genial. Recomendamos la versión del concierto de Luis Alberto Spinetta y las Bandas Eternas en donde podemos deleitarnos con los fraseos que hace Spinetta en la melodía durante sus intervenciones.
4. PRÓFUGOS
Uno de los máximos himnos de Soda Stereo. “Prófugos” proveniente del disco “Signos” de 1986 es una demostración del excelente uso de los espacios en la música, muy similar a “En la ciudad de la furia” donde en gran parte del tema Cerati deja de tocar la guitarra mostrando únicamente a la sección rítmica mientras canta los versos. En este caso, Cerati canta los versos respondiéndose con la guitarra en los espacios donde no hay letra, un arreglo minimalista que funciona muy bien. El protagonista de “Prófugos” es el increíble riff del teclado ejecutado por Fabian Von Quintiero además de sus acertados adornos que colorean la armonía justo antes de los coros. También destacan los arreglos de metales que sin ser abundantes otorgan fuerza en determinadas secciones. El solo de guitarra de Gustavo, aunque es breve, es uno de los más poderosos y con mayor carácter que tocó con Soda Stereo. A pesar de ser uno de sus temas más populares, musicalmente “Prófugos” no deja indiferente a nadie siendo uno de los más poderosos de todo su catálogo.
3. HOMBRE AL AGUA
Todos sabemos que “Canción animal” es el gran salto a la madurez musical de Soda Stereo y que contiene su máximo himno “De música ligera”. Lo que hay que entender es qué logró la banda en este álbum que resultó ser su obra maestra: la guitarra de Gustavi Cerati, y “Hombre al agua” es uno de los temas con los mejores arreglos de guitarra que Cerati realizó en toda su carrera, incluida su obra en solitario desde la guitarra acústica del principio, las florituras, los adornos en el puente y en los coros. El trabajo de guitarras no es genial por su complejidad técnica, sino en la precisión de cada línea y en las notas elegidas en gran parte a la baja velocidad de la canción lo cual realza a las guitarras aún más. Sin embargo, toda la grandeza de este tema no recayó solo en él, Zeta Bosio fue el encargado de otorgarle esa magia atmosférica que la envuelve con una impecable línea de bajo, que se convierte en el riff principal de la canción y no la guitarra como de costumbre sucede en el rock. Es una línea de bajo constante que contrasta perfectamente con el arreglo de cuerdas y con la guitarra acústica de Cerati, una buena iniciativa de Gustavo por retrasar la aparición de la guitarra eléctrica hasta el momento exacto. Además, sus solos de guitarra son perfectos para lo que la canción pide. Por otra parte, Cerati hace lucir su voz como en pocas canciones cambiando de técnica de falsete a voz de pecho para darle distinta fuerza al tema en determinadas partes. “Hombre al agua” sin pretenderlo, tiene el poder suficiente para ser considerada una canción de hard rock, aunque tienen mejores ejemplos como “Sueles dejarme solo” incluida en el mismo disco. Por todos estos elementos “Hombre al agua” quizá sea uno de las canciones más infravaloradas de Soda Stereo.
2. EN LA CIUDAD DE LA FURIA (VERSIÓN MTV UNPLUGGED)
Una vez más Gustavo Cerati rompió los esquemas de su propia obra. Al igual que en las increíbles versiones de “Té para tres” y “Ella usó mi cabeza como un revólver” en el MTV Unplugged de 1996, Soda Stereo nos sorprendió con su versión de “En la ciudad de la furia” la cual contó con la participación especial de Andrea Echeverri, cantante de Aterciopelados. La versión de estudio de este tema es genial, con un uso efectivo del minimalismo aprovechando los espacios con un sencillo pero efectivo arreglo de guitarras. Sin embargo, para el MTV Unplugged Soda Stereo le dio un giro de 180º a uno de sus temas más conocidos cambiando su sonido rockero por uno lleno de experimentación con un arreglo de guitarras TAN AMBICIOSO Y EXQUISITO como nunca antes Gustavo Cerati había hecho en un disco de Soda Stereo. Su uso del pedal wah wah, efectos de diley y la interacción íntima y personal entre la guitarra y la voz hacen de este tema un viaje completamente hipnótico que raya en lo psicodélico. Mientras tanto, Andrea Echeverri hace lo suyo aportando su voz en los coros y en algunas partes del segundo verso como voz principal y corista. El solo de guitarra al final de la canción está lleno de distorsión, completamente diferente a lo que Cerati había intentado previamente con Soda Stereo. El resultado, una canción soberbia que resulta completamente ajena a la original que no hace mas que demostrar el genio creativo de Gustavo por romper los moldes establecidos en su obra para sacarle el máximo provecho a uno de los mayores clásicos del rock en español y que sin duda, por su ambiciosa transformación superó a la original. Como dato curioso, Andrea Echeverri se equivoca en la letra al final del segundo coro en la línea “prefiere la noche” a lo que Gustavo Cerati llega a salvarla y canta la línea correctamente. ¡Simplemente, un completo maestro!
1. EN EL SÉPTIMO DÍA
Si bien el disco “Canción animal” contiene grandes himnos de Soda Stereo y de la historia del rock en español, parece que “En el séptimo día” no tiene rival en el catálogo de la banda. Y sí, quizá esta afirmación parece un tanto exagerada tomando en cuenta las grandes canciones que hemos analizado en este top 10. “En el séptimo día” reúne prácticamente todos los elementos que hicieron grande a Soda Stereo; sin embargo, creo que para esta canción Cerati y compañía reflejan su mayor virtud: su evolución musical. Uno de los límietes que la banda superó en este tema fue incursionar en uno de los ritmos más raros y atípicos en la historia del rock en español, me refiero al ritmo en compás de 7/8. Normalmente las canciones están compuestas en tres o cuatro tiempos, pero también existen los compases de cinco y siete tiempos, aunque son un poco más extraños, por ejemplo, la canción “Take Five” de Dave Brubeck está en compás de 5/4, “Money” de Pink Floyd y “All you need is love” de The Beatles están en 7/4. Generalmente estos compases son más habituales en géneros como el jazz, el rock progresivo o la música experimental, pero para nada en artistas pop y masivos como Soda Stereo cuyo baterista Charly Alberti logró crear un ritmo sin precedentes dentro del rock en español. Y a pesar de toda la complejidad de su ritmo, la banda logra hacerla sonar tan sencilla, fluida y con su característico sonido con ese gran riff de guitarra, las líneas de bajo poderosas y una voz simplemente extraordinaria de Gustavo Cerati que uno no se imagina que esta canción contiene todos estos elementos que la componen. Un ejemplo rotundo que demuestra que con tan solo una guitarra, un bajo y una batería, Soda Stereo era capaz de hacerle frente fácilmente a cualquier banda anglosajona de la escena del rock mundial.